«Cada hombre sabe bien que cuando se recubre de vello el labio, ya es un maestro del arte y de la verdad»
Orson Welles
Parrots, Jacopo Miliani, 2009
Introducción
Con ocasión de una invitación a presentar un proyecto curatorial sobre un artista para la cuarta edición del FIVA IV - el festival argentino dedicado al videoarte internacional que se celebra cada año en la sala Jorge Luis Borges de la Biblioteca Nacional de Buenos Aires - decidí que sería interesante presentar el trabajo de un artista que se relaciona con el video no desde la perspectiva del medio audiovisual sino desde la perspectiva espacial, escultórica e instalativa, y desde un discurso propio que posiciona el vídeo al lado de otras formas de arte. De hecho, Jacopo Miliani - el artista que presenté - no es un videoartista; más bien es un artista plástico que utiliza el vídeo como un elemento simbólico más en sus proyectos e instalaciones, siempre en relación con otros componentes.
En la preparación de la selección, junto con el propio artista, decidimos dar una pista al espectador repitiendo al final de cada vídeo el vídeo de veintiséis segundos Parrots (2009), una secuencia de imágenes con la figura clave del blorob. Los cuatros video son vídeos de bfound footageb, en los cuales se mezclan imágenes nuevas y encontradas, imágenes fijas y en movimiento. Las imágenes tienen distintos orígenes: fueron extraídas de películas, de periódicos o de archivos digitales, y están relacionadas porB la construcción de una arquitectura semiótica siempre abierta a la interpretación libre por parte del público.
En total se expusieron cuatros videos contando con Parrots, que en la lógica de la exposición tenía función de cortinilla repetida.
El primer video, Flaming (2012), podría ser interpretado como la revelación del contraste entre el control sobre el cuerpo y su liberación en la danza en la cultura occidental, y se componía de imágenes extraídas de dos películas: La caidas de los idolos de Luchino Visconti y Paris is Burning de Jenny Livingstone, el notorio documental citado por Judith Butler en Gender trouble. .
Flaming, Jacopo Miliani, 2012 .
Flaming, Jacopo Miliani, 2012B
Aurora (2009) es un video plástico y puramente abstracto, en el que imágenes de potencia sobrenatural tomadas desde archivos de materiales audiovisuales contrastan con el juego formal y con la geometría de la pantalla. The Fourth Power (2014), como sugiere el título (traducción al inglés del titulo italiano del film Quarto Potere), hace un guiño a la célebre película de Orson Welles, y propone una reflexión acerca de la mediación del lenguaje, la representación del mundo en imágenes y su relación, o no relación, con la realidad.
El ilusionista y el loro
En 1974 se presentaba en las salas cinematográficas la película F. Like Fake de Orson Welles, documental de ficción en el cual el magistral director indagaba un tema actual desde los tiempos de Platón: la relación entre verdad y arte. Así llega a plantear una serie de preguntas y reflexiones acerca de la estética, el sistema del arte, del valor de los críticos de arte y de los artistas: ¿expertos o ilusionistas charlatanes?
La figura del artista ilusionista se podría aplicar para describir buena parte de la producción artística contemporánea, en la cual el mago deviene metáfora del artista esforzándose en el proceso de desmaterialización del arte contemporáneo hasta el número mas complicado: la desaparición total del objeto artístico y con él, del sujeto creador; la reducción del arte a puro lenguaje, concepto y juego semiótico. Este proceso es el que, a partir de la segunda mitad del siglo XX, legitima la "copia" como nueva forma de creación o, mejor dicho, como medio y estrategia artística.
La ilusión en la que Jacopo Miliani se concentra es la del principal espejismo con el que la cultura sujeta al ser humano: el espejismo intelectual que se realiza en el lenguaje, o sea, en el arte interpretado como lenguaje y como sistema. Retomando los pasos marcados por la Deconstrucción filosófica, antes sugerida por Heidegger y luego llevada a sus últimas consecuencias por Derrida, se podría insertar a Jacopo Miliani en la deriva analítica que a estas alturas ha disuelto del todo la relación entre lenguaje, sistema y verdad.
"La deconstrucción concierne ante todo los sistemas, (...) la deconstrucción es también un modo de escribir y de avanzar un texto distinto", afirmaba Derrida en Point de suspensión, entretiene avec D. Cohen.
Y repitiendo lo que Barthes aplica a la literatura, podríamos interpretar el arte como un teatro y la obra de arte como una puesta en escena en la cual el sentido sólo se crea mediante procesos de (re)contextualización e interacción, regulados por construcciones culturales y reglas sociales muy estrictas. Los elementos implicados en tales mecanismos son tomados en préstamo desde una realidad artística creada a priori, para luego ser restituidos con un significado y valor renovado, enriquecido y potenciado.
¿Y la mímesis? La representación (¿a caso la representación no es ya en sí misma una copia?) de la realidad ya no interesa, porque para el pensamiento contemporáneo, o por lo menos para una buena parte de éste, ya no hay brealidadb, sino sólo un entramado precario de signos y símbolos que el autor negocia con su público. Así ocurre en el reciente proyecto que Jacopo Miliani ha realizado para Shapenotshape en el Museo MACRO de Roma, una intervención site specific con formato de workshop, para cuya realización se invitaba a un grupo de personas invidentes a interactuar con objetos geométricos diseminados por las salas del museo y a responder a las preguntas: ¿Que son las imágenes? ¿Que es el teatro?
La poética de Jacopo Miliani parte de la asunción de que no hay un sentido definitivo ligado a los signos - y por ende de las obras de arte en cuanto signos del sistema y de la historia del arte como discursos - porque éstos cambian constantemente según el contexto histórico, social y cultural. Y aquí entra en juego el significado de la apropiación (en el sentido de reinterpretación), que se legitima como práctica artística en obras como The Parrots (2008), en la que se/nos interroga acerca del papel del objeto artístico, de su creación, de su representación en la historia y teoría del arte y sobre el papel del espectador como actor. Es una reelaboración de la obra de Marcel Broodthaers titulada Ne dites pas que je ne lbai pas dit b Le Perroquèt (1974), con la que entra en escena otra de las figuras recurrentes y claves del discurso de Miliani: el loro, el exótico y milagroso animal de miles de colores al que el ser humano siente especialmente cercano por estar dotado de palabra y que Miliani asimila al arte, por estar dotado de la misma habilidad ilusionista: la de repetir barthesianamente los signos (las palabras, las imágenes o las cosas) y construir signos a partir de signos. El mismo proceso de apropiación y reinterpretación será repropuesto en vídeo en las obras Flaming (2012) o The Fourth Power (2014) en relación a las imágenes cinematográficas y mediáticas.
De aquí, su reflexión se desplaza hacia los límites de las estructuras universales del lenguaje y la negociación lingüística entre el autor y su público, para preguntarse/nos ¿hasta dónde sentenciamos y cuando somos sentenciados? ¿Hasta dónde generamos sentido por medio del lenguaje y cuando es el lenguaje mismo el que determina el sentido? Porque a menudo pasa que - dice Miliani apropiándose y repitiendo las palabras del grande del teatro Italiano, Carmelo Bene - "Quando crediamo di esser noi a dire, siamo detti" (desde la obra Dire e detti). .
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Federica Matelli Pietrasanta, Italia, 1977. Es licenciada en Filosofía por la Universidad de Pisa, con una tesis sobre la filosofía del cuerpo del filósofo francés Jean Luc Nancy y sus relaciones con la Performance y la Cyber performance. Master en Comisariado y Prácticas Culturales en Artes y Nuevos Medios, de Mecad. Beca de colaboración con ZKM. Pronto empieza a trabajar como curadora e investigadora independiente. Actualmente está cursando el Doctorado en Historia y Teoría del Arte contemporáneo de la UB. Universidad de Barcelona y hace parte de los investigadores de los grupos de estudio GAA. Global Art Archive y AGI. Art Globalization Interculturality, dirigidos por la profesora Anna Maria Guasch.